Mariam Gviniashvili, « Trails », 12’28

« Trails » crée des paysages sonores à partir des sons perçus lors d’une promenade à travers Nordmarka, la partie nord de la forêt entourant Oslo, en direction du lac Maridalsvannet, le plus grand lac de la commune.

L’œuvre prend la forme d’un récit composé de sons modifiés : chants d’oiseaux, ruisseaux, cascades, craquements de branches, pas, chutes de pierres, échos de signaux de bateaux au loin. Différents sentiers s’offrent à vous. Plus vous vous enfoncez dans la forêt et dans votre esprit, plus les paysages sonores se transforment en univers sonores complexes et denses, jusqu’à atteindre Maridalsvannet. Là, le lac, calme et paisible, reflète d’épais nuages ​​gris flottant dans le ciel. Tandis que le brouillard se dissipe et recouvre la surface du lac, vous empruntez le sentier qui vous ramène à la maison, dans l’obscurité grandissante.

Mariam Gviniashvili, originaire de Géorgie, elle a étudié la composition au Conservatoire d’État de Tbilissi, à l’Académie de musique Liszt et à l’Académie norvégienne de musique. Ce parcours diversifié nourrit ses thèmes artistiques. Ses œuvres ont été présentées dans des festivals, lieux et émissions de radio à travers le monde, notamment à l’INA GRM, au ZKM | Center for Art and Media, à Ars Electronica, à l’EMPAC, au New York Electroacoustic Music Festival, au BEAST FEaST, à Virginia Tech, au festival Transitions du CCRMA, au MA/IN, à l’ICMC, au Mixtur Festival, à Klingt Gut, à l’In Situ Festival, à Heroines of Sound, à l’Ultima Festival et sur BBC Radio. Mariam Gviniashvili est une compositrice et artiste sonore travaillant à l’intersection de la musique électronique et électroacoustique, du son en 3D et de la performance multimédia. Son travail explore les dimensions physiques et émotionnelles du son et de l’espace, intégrant souvent des éléments visuels et des performances en direct.

Wei Yang, « Couloirs », 13’17

Le titre de la pièce est emprunté à « L’Année dernière à Marienbad » d’Alain Resnais, où les mots et le souvenir qui les renferme se déforment, se filtrent, se corroborent et se construisent mutuellement, aboutissant à l’observation que « la conversation se déroulait dans le vide, comme si les mots ne signifiaient rien, comme s’ils ne pouvaient avoir de sens. Une phrase serait suspendue dans l’espace, figée dans son vol, et pourrait ensuite reprendre son cours là ou ailleurs. » Tous les matériaux sonores proviennent d’un vibrato en fa au-dessus du do medium de la flûte traversière, qui sert de métaphore aux couloirs, tant par leur ressemblance formelle que par leur fonction de filtres : les couloirs sont le filtre du souvenir dans le film et la flûte, le filtre de l’air et de la note de musique. La pièce peut être perçue comme un travail d’extraction, à partir de la flûte, de mots et de voix qui parlent et chantent de manière incompréhensible, mais qui n’en sont pas moins expressifs.
Wei Yang est un compositeur et artiste sonore chinois. Il travaille avec différents médias, explorant souvent le rôle du corps dans la production sonore, le son dans l’espace, ainsi que l’intégration de données issues de l’environnement scénique (réverbération, lumière, etc.). Il compose de la musique instrumentale et électronique et intègre fréquemment divers capteurs et l’informatique temps réel pour construire des systèmes performatifs permettant une interaction dynamique entre les différents acteurs. Ses œuvres ont été présentées à l’international lors de nombreux événements, dont BEAST Festival, NUNC!, ICMC, ISAC Sonosfera, Tomeistertagung, ORF Musikprotokoll, le San Francisco Tape Music Festival, SEAMUS, Espacious Sonores, Festival Atemporánea, Nucleo Música Nova SiMN, Sound Image Festival et Ars Electronica. Titulaire d’un doctorat en arts musicaux de l’Université de Washington, il poursuit actuellement un doctorat au Centre des arts numériques et des médias expérimentaux de cette même université.

Natalia Quintanilla Cabrera, « Abejas », 8’36

Lors d’une randonnée à Los Dinamos, un parc national de Mexico, j’ai remarqué une abeille qui me suivait.
Mon irritation initiale a fait place à la curiosité lorsque j’ai réalisé qu’elle était inoffensive et qu’elle suivait son propre chemin. D’une certaine manière, c’était moi qui la suivais. Lorsqu’elle s’est posée sur une fleur, je l’ai enregistrée avec soin.
Après avoir découvert le cycle de vie d’une reine des abeilles et le processus complexe de sa sélection, j’ai créé une œuvre qui retrace ce parcours. Les matériaux sonores proviennent d’improvisations avec des synthétiseurs analogiques et d’explorations de l’accordéon, formant un réservoir de matière première : des moments imprévisibles, des accidents et des erreurs qui ont émergé comme idées centrales et motifs récurrents.
La composition a évolué par une transformation continue : un geste est traité et retraité jusqu’à ce que les sources originales se dissolvent en quelque chose de nouveau. Cette capacité à remodeler le son jusqu’à ce qu’il devienne une espèce fictive entièrement différente est ce qui m’a d’abord attirée vers la musique électroacoustique.

Natalia Quintanilla Cabrera est une compositrice originaire de Mexico, où elle a étudié la composition musicale et la théorie musicale et obtenu une maîtrise en arts médiatiques à l’Université du Michigan. Elle poursuit actuellement un doctorat en arts numériques et médias expérimentaux à l’Université de Washington à Seattle.
Ses recherches portent sur l’audio spatial 3D et hybride dans la composition. Son travail a été présenté au Mexique et aux États-Unis, ainsi qu’à Ars Electronica, au festival IZIS (Slovénie), à ​​la Tonmeistertagung de Düsseldorf et à l’ORF musikprotokoll de Graz. Sa musique a été présentée à la Conférence internationale de musique informatique (ICMC), où ses recherches ont également été publiées dans les actes de la conférence. Elle a reçu des commandes du Hopkins Center for the Arts du Dartmouth College pour des œuvres pour ensemble à vent, dont deux sont publiées par Valley Winds Publishing (Boston, Massachusetts).

Natasha Barrett, « Toxic Colour », 15’20

Exploitation minière. Construction. Industrie. Nettoyage ou dissimulation ? La première exposition en plein air présentant des photographies aériennes illustrant l’impact humain sur les paysages naturels fut « La Terre vue du ciel » du photographe français Yann Arthus-Bertrand, présentée à Paris en 2000. Le paradoxe de ces photos fascinantes, contrastant avec les paysages souvent ravagés et transformés par l’homme qu’elles immortalisent, est devenu le thème de nombreux projets d’art photographique. Bien que toujours attirée par ces images saisissantes, leur message se perd dans notre monde saturé de médias visuels numériques. J’ai pensé qu’il était temps de m’exprimer par le son. « Toxic Colour » a été commandée par EAU avec le soutien d’Arts and Culture Norway.

Natasha Barrett (née en 1972 à Norwich, en Angleterre, vit et travaille à Oslo, en Norvège) est une compositrice britannique de musique électroacoustique. Elle compose des œuvres de concert, des installations sonores pour l’espace public et de la musique interactive multimédia, utilisant une vaste palette de sons, de nouvelles technologies et de techniques expérimentales. Elle est internationalement reconnue pour sa musique électroacoustique et acousmatique, ainsi que pour son utilisation de la technologie sonore 3D dans la composition. Son œuvre est commandée et interprétée dans le monde entier. Elle a reçu plus de 20 prix internationaux, dont le Prix de musique du Conseil nordique, le Prix Giga-Hertz (Allemagne), cinq prix et l’Euphonie d’Or aux Bourges International Electroacoustic Music Awards (France), deux premiers prix au Rostrum international de musique électroacoustique et le Prix d’honneur Thomas Seelig Fixed Media en 2023. Elle collabore régulièrement avec des interprètes, des artistes visuels, des architectes et des scientifiques. Elle est active en tant qu’interprète de musique électronique en direct et d’audio spatial. En tant que chercheuse, elle a publié de nombreux articles.